Secondo la Treccani, “viaggiare” significa trasferirsi da luogo a luogo, per lo più distanti l’uno dall’altro, con un mezzo di trasporto qualsiasi. Non si sottolinea quanto lontano debba essere il punto di partenza dal punto di arrivo, quel che conta significa spostarsi fisicamente e mentalmente da una condizione a un’altra. Eppure, molte volte la risposta la troviamo sotto il naso, senza il bisogno di effettuare viaggi da migliaia di chilometri. Ed il motivo è semplice: esplorazione, conoscenza di luoghi, culture e curiosità non si animano in base alla distanza, ma alla motivazione e al fuoco che ci brucia dentro e ci spinge a voler osservare qualcosa di nuovo.

Per ricevere sensazioni del genere, non è per forza necessario recarsi in una località remota o in un qualche senso esotica. Anche il viaggio realizzato in Italia senza uscire dai confini può avere un significato tanto forte quanto un’attraversata dell’oceano o il viaggio on the road negli Stati Uniti. A volte, per trovare la libertà basta sfrecciare tra i vicoli di una città o mettersi in macchina con gli amici di sempre verso il mare. Altre volte, il viaggio più autentico si compie a passo lento, o addirittura senza muoversi dal cortile di casa, lasciando che sia l’immaginazione a guidarci e a fare il resto. Ci sono viaggi nati per affrontare una crisi attraverso la storia di una terra antica, e viaggi “verticali” che scalano le vette delle montagne e della propria interiorità.

Visto che è appena passato ferragosto e il tempo a disposizione prima di settembre per poter concedersi un’ultima esplorazione è per molti poco o nullo, vi consigliamo 6 film di viaggio avventura completamente girati tra le bellezze nostrane. Storie nate tra le strade, i sogni, le rovine e le vette d’Italia, in grado di farvi viaggiare restando al fresco dell’aria condizionata.

Vi avviso già: non troverete Il soprasso, il road movie per eccellenza, ma solo perché potete già trovarlo qui!

Tre uomini e una gamba (Aldo, Giovanni e Giacomo e Massimo Venier, 1997)

Disponibile su: Netflix, Now, Sky, Mediaset Infinity

Tre commessi di un negozio di ferramenta intraprendono un viaggio da Milano a Gallipoli per il matrimonio di uno di loro, portandosi appresso una scultura di legno semplice e bizzarra, ma di una rarità assoluta. Un viaggio in autostrada che consolida l’amicizia dei protagonisti e che assume le vesti di in un percorso di liberazione dalla loro “vita precedente” per portarli a una nuova fase più consapevole.

Esordio cinematografico del trio comico, è uno dei film che più ha influenzato l’immaginario comico fino ai giorni nostri. La scena in spiaggia della partita Italia - Marocco con Che coss’è l’amor di Vinicio Capossela, il Garpez e il “ma vieni, ma chi sono!” di Giovanni sono ormai diventati tormentoni che sono diventati un patrimonio comico italiano.

Vacanze romane (William Wyler, 1953)

Disponibile su: Paramount Plus

La principessa Anna è in visita ufficiale a Roma. Sfinita dagli obblighi reali, scappa di nascosto dal palazzo e incontra un giornalista americano che, per ottenere uno scoop esclusivo, fa finta di non conoscerla. Il risultato del loro incontro sarà una fuga verso una normalità per lei ormai sconosciuta, in cui i vicoli della città eterna percorsi in Vespa si trasformeranno nell’unico spazio possibile per sperimentare la libertà dalla propria carica istituzionale.

Un film entrato di diritto nell’immaginario collettivo del viaggio nella Capitale. In fondo, tutti almeno una volta nella vita abbiamo visto la splendida immagine di Audrey Hepburn mentre abbraccia Gregory Peck per le strade di Roma in sella alla loro Vespa 125.

Pare parecchio Parigi (Leonardo Pieraccioni, 2024)

Disponibile su: Rai Play, Netflix

Arnaldo Cannistraci è un professore universitario con un pessimo rapporto coi figli Bernardo, Giovanna e Ivana. Quando scoprono che il padre si è malato gravemente, i tre decidono di esaudire (in un certo senso) il suo desiderio fare un viaggio insieme a Parigi. Le sue condizioni di salute, però, non gli permettono di partire, cosicché i figli decidono di fare una cosa insolita: organizzare il viaggio in camper verso la capitale francese senza mai lasciare il casolare toscano in cui vive Bernardo.

Liberamente ispirato alla storia dei fratelli Michele e Gianni Bugli, l’ultimo film di Leonardo Pieraccioni è un non-viaggio (mi piace definirlo anche come un viaggio errante) che mette in gioco tutte le caratteristiche del road movie per ribaltarle e per sottolineare che non è il viaggio fisico ad essere importante, ma quello nel cuore dei membri di una famiglia che impara finalmente a parlarsi. Non è probabilmente un capolavoro, ma sicuramente è un caso molto interessante.

Viaggio in Italia (Roberto Rossellini, 1954)

Disponibile su: CHILI (a noleggio)

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Una coppia inglese, Katherine e Alex Joyce, viaggia in auto verso Napoli per vendere una villa ereditata. La distanza dalla loro casa fa emergere una grande crisi matrimoniale che da tempo era tenuta nascosta sotto il tappeto. Mentre i due girano separatamente per città, musei e paesaggi dell’Italia meridionale, il viaggio li costringe a guardare con nuovi occhi il luogo che stanno visitando e il loro rapporto.

Ricevuto negativamente dalla critica dell’epoca, Viaggio in Italia mostra un Paese diverso rispetto ai film popolari di allora. Non è più la cartolina balneare che aveva mostrato Luciano Emmer in Domenica d’agosto nel 1950, ma un’Italia che si fa specchio della condizione dei protagonisti: ogni rovina, ogni incontro e ogni luogo visitato sono strumenti per raccontare ciò che accade dentro i personaggi.

Basilicata coast to coast (Rocco Papaleo, 2010)

Disponibile su: Rakuten TV

Una stramba band di provincia decide di attraversare a piedi la Basilicata, dal Tirreno allo Ionio, per raggiungere un festival musicale, accompagnata da una giornalista incaricata di documentare quest’impresa. Tra paesi mezzi dimenticati e incontri casuali, il viaggio a piedi costringe ogni protagonista a fare i conti con le proprie fragilità e i sogni andati persi.

L’esordio alla regia di Rocco Papaleo è una commedia dolce, dal tono leggero, che elogia una delle regioni meno raccontate della penisola. E lo fa senza usare panorami spettacolari, ma lasciando che siano gesti, paesi e conversazioni a costruirne il ritratto. Una lettera d’amore al cammino lento e alla sua condizione principale: dilatare il tempo e costringere chi lo compie a confrontarsi a fondo.

Le otto montagne (Felix Van Groeningen e Charlotte Vandermeersch, 2022)

Disponibile su: Netflix, Now, Sky, HBO Max

Pietro, da quando è bambino, passa le sue estati in un piccolo paese del Monte Rosa. Qui ha conosciuto Bruno, l’unico coetaneo rimasto a vivere stabilmente in montagna. La loro amicizia attraversa decenni e segue percorsi opposti: Pietro viaggia continuamente per esplorare il mondo, mentre Bruno sceglie di non abbandonare mai il suo. Attraverso il loro rapporto, il film riflette sul significato del viaggio, del nostro rapporto con le radici e con la natura.

Interpretato splendidamente da Luca Marinelli e Alessandro Borghi, Le otto montagne ha ricevuto il premio della giuria al Festival di Cannes e vinto 4 David di Donatello per il modo in cui riesce a mettere a confronto due tipologie di viaggio. Da una parte il viaggio orizzontale di chi decide di girare il mondo per fuggire da se stesso (Pietro), dall’altra il viaggio verticale di chi, rimanendo nello stesso luogo, esplora la propria interiorità (Bruno).

EXTRA - Comizi d’amore (Pier Paolo Pasolini, 1964)

Disponibile su: MUBI

Pier Paolo Pasolini attraversa l’Italia armato di microfono e cinepresa per intervistare persone comuni su temi allora considerati come tabù: amore, matrimonio, sessualità, divorzio, famiglia. Dalle grandi città ai piccoli borghi, l’intellettuale bolognese incontra persone di ogni età, ceto sociale e regione per costruire un vero e proprio mosaico dell’Italia di metà anni Sessanta.

Il viaggio è qui lo strumento utilizzato per fotografare un Paese in trasformazione, soprattutto nella profonda spaccatura che si stava creando da Nord e Sud. Non è tanto la mano di Pasolini, quanto le voci di chi incontra a trasformare ogni intervista in un piccolo tassello che unito agli altri restituisce bellezze e contraddizioni dell’Italia appena attraversata dal miracolo economico.

E tu quale film inseriresti in questa lista? Faccelo sapere commentando e condividendo l’articolo!

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Il Tor des Géants è una gara di trail che si tiene ogni anno in Valle d’Aosta nel mese di settembre. Il percorso è composto da 330 km di corsa e raggiunge i 24.000 metri di dislivello, da completare in un’unica tappa e con un tempo limite di 150 ore. Già da questi numeri si capisce perché venga spesso considerata la competizione più difficile del mondo, sia per l’enorme sforzo fisico richiesto sia per la forza mentale necessaria. Alla nuova edizione, che si terrà dal 13 al 19 settembre 2026, parteciperanno circa 1.900 atleti provenienti da più di 80 Paesi.

Per tutti, il primo obiettivo è quello di concludere la gara, perché già portarla a termine rappresenta di per sé un’impresa. Figuriamoci vincerla, quando tra gli avversari ci sono due atleti come Franco Collè e Jonas Russi, due autentiche leggende di questa competizione e del trail running mondiale.

Vincitori rispettivamente delle edizioni del 2021 e del 2022, Franco e Jonas sono i protagonisti di L’amicizia dei giganti, documentario prodotto da Travel Media House e dal nostro Ludovico De Maistre (qui anche alla regia) in collaborazione con Karpos nel 2023. Il film, disponibile in streaming su Prime Video, utilizza le loro testimonianze per ripercorrere le due gare vinte dai protagonisti e raccontare la nascita del loro rapporto, avvenuta alla SwissPeaks Trail, quando Jonas aiutò Franco a superare una crisi di sonno. Da quel momento è nata un’amicizia destinata a crescere sempre di più negli anni, pur mettendoli continuamente uno contro l’altro sulla linea di partenza del Tor. Il documentario concentra però la propria attenzione soprattutto sull’edizione del 2022, anno in cui la vittoria di Jonas arriva mentre Franco è costretto a ritirarsi per un infortunio. Proprio questa situazione, drammatica da un punto di vista sportivo, permette di osservare come la loro amicizia riesca ad andare oltre la competizione. Ed è anche il punto in cui il film trova il proprio centro emotivo.

Oltre al fatto che sia stato prodotto dalla Travel Media House, vi consigliamo di guardare L’amicizia dei giganti perché troverete un documentario che non intende ricostruire linearmente l’evoluzione di questa edizione del Tor des Géants per raccontare chi abbia tagliato il traguardo per primo. Al contrario, a dominare sono le voci di Franco e Jonas che, attraverso le loro interviste, ripercorrono l’evoluzione del loro rapporto e il loro stato d’animo nei diversi momenti della preparazione e dello svolgimento della gara: la preparazione, la strategia da adottare, la lucidità necessaria per gestire una fatica del genere, l’arrivo dei momenti di crisi e la necessità di trovare continuamente nuove energie dentro di sé.

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In questo modo, il Tor emerge direttamente dai loro racconti e si mostra nelle immagini non tanto come una competizione sportiva da descrivere da un punto di vista tecnico, quanto come un’esperienza totalizzante che mette costantemente alla prova corpo, mente e, soprattutto, la loro amicizia. Il titolo stesso del documentario racconta come, più che la gara, sia l’amicizia tra i due a guidare il racconto. Emerge il ritratto di due uomini che si stimano profondamente e nutrono un rispetto assoluto l’uno per l’altro, ma che, quando parte il Tor, diventano inevitabilmente due rivali.

Come accennato, da un punto di vista narrativo L’amicizia dei giganti si regge sulle interviste ai due protagonisti. Interpellati singolarmente, con un ottimo lavoro di color grading (fateci caso!) che sottolinea i due punti di vista differenti, Franco e Jonas raccontano la propria esperienza, ma inevitabilmente le loro parole finiscono per intrecciarsi sempre di più, permettendo di osservare gli stessi eventi attraverso due prospettive differenti.

Le loro testimonianze raccontano come ci si prepari a una competizione tanto estrema. Jonas parla della difficoltà di mantenere la mente lucida dopo decine di ore di corsa ininterrotta, mentre Franco sottolinea quanto sia difficile allenarsi e come le crisi lungo il percorso siano inevitabili, indipendentemente dall’esperienza accumulata negli anni. In questo passaggio particolarmente interessante emerge come sia impossibile evitare un momento di crisi e come la vera sfida consista nel riconoscerlo e gestirlo nel migliore dei modi per poter proseguire. Mentre si confidano, si percepisce come l’obiettivo sia quello di mostrare che si tratta di qualcosa che va ben oltre l’essere una gara di trail: il Tor è anche, e soprattutto, un viaggio introspettivo.

Un viaggio che, di anno in anno, sarà sempre differente. Sia da un punto di vista mentale, perché ogni gara fa storia a sé, sia da un punto di vista pratico, dato che cambiano meteo, ritmo, difficoltà, terreno, incontri e sensazioni. Ci sono gare in cui l’atleta correrà per molto tempo insieme a un’altra persona e altre trascorse quasi interamente in solitudine, solo con se stesso. In questi momenti, racconta Franco, ci si sente in una bolla completamente slegata dalla realtà e proprio per questo sottolinea la grande forza mentale necessaria per affrontare una sfida tanto imprevedibile.

Ma se a guidare il racconto sono le interviste, le splendide immagini delle Alte Vie della Valle d’Aosta guidano lo sguardo. Il territorio assume anche una precisa funzione narrativa, perché se da un lato l’utilizzo del drone ne esalta la straordinaria bellezza naturale, dall’altro mostra quanto sia complesso e difficile attraversarlo. Le montagne da superare, i dislivelli e le difficoltà causate dal meteo influenzano direttamente il ritmo e lo svolgimento della gara, ma anche lo stato mentale degli atleti.

Utilizzate in questo modo, le immagini paesaggistiche si presentano come uno degli elementi che contribuiscono concretamente a costruire la storia, e non soltanto a esserne il setting. Un altro elemento che accentua questo ruolo nella narrazione è l’utilizzo della colonna sonora, in particolare del suono serrato di un violino. Questo tema ricorrente, presente nelle fasi più concitate ed emozionanti della gara, aumenta la percezione di tensione, suspense e difficoltà, mentre quando l’attenzione si sposta sui passaggi più delicati e introspettivi la musica diminuisce o addirittura scompare improvvisamente, lasciando spazio al silenzio e ai pensieri dei protagonisti.

Gli spunti di riflessione offerti da questo breve documentario di nemmeno 60 minuti sono quindi moltissimi. In primis, le interviste possono diventare lo strumento principale per accedere ai personaggi. Si tratta di utilizzare le loro impressioni per far rivivere le emozioni e i sentimenti provati nei momenti raccontati, senza limitarsi a una semplice ricostruzione degli eventi. Questo documentario ci riesce benissimo e, a dimostrarlo, non servo io, ma le lacrime di Jonas quando ricorda il Tor des Géants del 2022. Un altro aspetto riguarda l’utilizzo del sonoro, perché sia la presenza sia l’assenza della musica possono giocare un ruolo molto importante nella percezione di una scena:

• Presenza del tema del violino: aumenta coinvolgimento e attenzione.

• Assenza della musica: momenti introspettivi in cui sono le emozioni a occupare il centro del discorso.

Al di là degli aspetti più tecnici da filmmaker, la vera forza del documentario sta nell’aver individuato e mai perso di vista il centro della storia che intende raccontare. Il Tor des Géants, infatti, è la competizione da seguire fino al traguardo e, al tempo stesso, il contesto in cui il rapporto tra Franco e Jonas emerge in tutte le sue sfumature. È durante la gara che si manifesta la rivalità, ma è proprio nel momento in cui Franco si infortuna che emerge la profondità del loro rapporto. Quando la sfida sportiva dei due prende direzioni differenti, il loro legame diventa ancora più visibile. L’amicizia dei giganti si serve così di una situazione estrema per raccontare un’amicizia, dimostrando come, anche davanti a una delle gare più dure al mondo, siano sempre le persone a dare significato al viaggio.

GUARDA L’AMICIZIA DEI GIGANTI SU PRIME VIDEO

Regia di Ludovico de Maistre
Sceneggiatura di Gian Luca Gasca
Prodotto da Travel Media House, Ludovico de Maistre
Montaggio di Francesco Quaglino
Sound design di Emiliano Frediani

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Siamo nell’estate che segue la fine della scuola, in quel momento della vita in cui il mondo sembra essere ai nostri piedi e ci appare governabile grazie alla nostra voglia di vivere e divertirci. Ma è anche l’inizio di una stagione destinata a mettere in discussione molte delle certezze costruite fino a quel momento: le amicizie, i rapporti sentimentali e perfino l’immagine che abbiamo di noi stessi.

Per celebrare la fine di questa prima fase della vita, almeno scolastica, molti ragazzi scelgono di partire per un viaggio di puro divertimento. Lo stesso fanno (o forse speravano) Julio e Tenoch in Y tu mamá también (Anche tua madre), road movie diretto nel 2001 dal maestro messicano Alfonso Cuarón. Al centro del film c’è un viaggio verso un luogo remoto ed esotico fantasticato dai due giovani per fare i galli del pollaio davanti a una donna più grande di loro. Quella che era una partenza improvvisata, proposta all’inizio come puro atto goliardico, si rivelerà molto più realistica e densa di significato rispetto a quanto avevano previsto, portandoli in una situazione nella quale le maschere machiste con cui hanno affrontato il mondo perderanno la propria efficacia. Ma andiamo per gradi.

Città del Messico. Julio e Tenoch sono due amici inseparabili che trascorrono le giornate tra battute oscene, alcol, marijuana e il personalissimo codice dei Charolastras, undici strambe regole che dovrebbero sancire l’indistruttibilità del loro rapporto. Rimasti soli per l’estate dopo la partenza delle fidanzate per un viaggio in Italia, i due fanno la conoscenza di Luisa, una donna spagnola più grande di loro e moglie del cugino di Tenoch. Spinti dalle proprie fantasie sessuali, le propongono un insperato viaggio verso la Boca del Cielo, una spiaggia paradisiaca di cui non conoscono né la posizione né l’effettiva esistenza. Inizialmente Luisa rifiuta, ma dopo aver scoperto il tradimento del marito, decide di accettare. Presi da un’euforica agitazione, Julio e Tenoch raccolgono qualche informazione sulla possibile destinazione e iniziano con lei un road trip attraverso il Messico.

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Non staremo qui a ripetere tutto ciò che è già stato scritto su questo capolavoro. Molti ricordano Y tu mamá también per la rappresentazione esplicita della sessualità e per il ruolo di primo piano che questa assume nel passaggio dall’adolescenza all’età adulta, richiamando giustamente il genere del coming-of-age, che trova nel road movie uno dei propri habitat naturali (vedi Stand by me). Quel che interessa a noi, dal punto di vista di chi ama il racconto di viaggio, è che il film di Cuarón merita di essere recuperato perché mostra come la strada non debba necessariamente trasformare radicalmente i suoi protagonisti, ma come possa mettere a nudo i limiti del modo in cui vedono loro stessi e il mondo. Il viaggio non consegna a Julio e Tenoch una nuova identità; li porta in una situazione in cui devono affrontare il loro modo di vivere la realtà.

A far funzionare il film è il modo in cui Cuarón traduce questo concetto nella messa in scena. Y tu mamá también racconta la fine delle illusioni giovanili, senza rinunciare alla leggerezza dei suoi protagonisti e senza trasformarsi improvvisamente in un dramma introspettivo che si troverebbe sconnesso al tono iniziale. Julio e Tenoch continuano per quasi tutto il film a scherzare, bere, fumare, parlare ossessivamente di sesso e contendersi l’attenzione di Luisa. Ma il tocco magico del regista sta nell’osservare i loro comportamenti in maniera distaccata, senza lodarli o condannarli. Lascia che a parlare siano loro due e che quelle stesse azioni goliardiche che li contraddistinguono, una volta confrontate con le proprie conseguenze, inizino ad assumere naturalmente un peso differente. La goliardia rimane il linguaggio della loro amicizia, ma il viaggio mette a nudo come non sia sufficiente ad affrontare una realtà che prende una direzione imprevista.

Luisa, in questo senso, rappresenta il perfetto contraltare dei due giovani. Comprende che dietro il racconto di Boca del Cielo si nasconde soprattutto il loro desiderio di sedurla, quasi fosse una conquista da esibire agli amici, ma nonostante ciò decide comunque di partire al loro fianco. Lo fa non tanto per assecondare passivamente la loro fantasia sessuale, ma per rivivere la brezza della gioventù e per riprendere in mano quella libertà che le era mancata a fianco del marito. Più adulta e navigata di Julio e Tenoch, Luisa porta con sé un vissuto che i due ragazzi non possono nemmeno intuire, e una consapevolezza, rivelata solo più avanti, che rende la sua urgenza di vivere ogni istante tutt’altro che un capriccio passeggero. Sono due motivazioni diverse che si ritrovano a compiere un viaggio insieme: Julio e Tenoch cercano un’avventura erotica da inserire nel proprio immaginario goliardico, mentre Luisa cerca uno spazio nel quale tornare a scegliere e vivere liberamente, per sé stessa. Allora la sua presenza non rappresenta solo l’elemento esterno alla coppia di amici che ne altera l’equilibrio, ma un personaggio con un percorso autonomo e una consapevolezza della vita profondamente diversa dalla loro che aiuterà i personaggi a raggiungere la maturazione.

Maturazione che passerà attraverso le conseguenze delle loro scelte. Questo perché gli effetti dell’esperienza da loro tanto cercata finiscono poi per rivelarsi opposti a quelli previsti. Quando la fantasia dei ragazzi comincia a concretizzarsi, la felicità e la complicità che Julio e Tenoch pensavano di ricavarne lasciano spazio alla competizione e alla gelosia. Perciò, la strada e la presenza di Luisa non generano dal nulla le fragilità della loro amicizia, ma creano le condizioni tali da metterla in crisi per sempre. E questo si ritorce anche nell’idea che loro stessi avevano della libertà, perché gli elementi che inizialmente sembravano rappresentarla (sessualità sfrenata, alcol e droghe) da manifestazioni della goliardia quali erano all’inizio si trasformano in strumenti che mostrano i limiti dei ragazzi. Pensateci bene: loro si considerano liberi rifiutando le regole degli adulti, ma finiscono per sostituirle con un sistema altrettanto rigido, fondato sulla virilità ostentata, sulla competizione e sul loro codice di amicizia. Sono capaci di abbandonarsi finché qualcosa sfugge al loro controllo. Ed è nel momento in cui ciò succede che si mostrano per quello che sono: dei ragazzi un po’ spavaldi che non possiedono ancora gli strumenti per affrontare le vere difficoltà personali.

Ben diversa è la libertà di Luisa, che sceglie di lasciarsi attraversare dalle esperienze accettandone la precarietà e le conseguenze. Avendo vissuto nella vita situazioni molto complicate, e dopo la recente “mazzata” del tradimento, comprende nel corso del viaggio la necessità di godersi con assoluta spensieratezza un’esperienza per lei irripetibile. Quindi, la sua celebre frase, «la vita è come la schiuma, per questo bisogna abbandonarsi come il mare», non è un banale invito a divertirsi, ma l’espressione di una consapevolezza più profonda del tempo che passa e della fine delle cose. Il film mette così a confronto due modi differenti di intendere la libertà: da una parte quella ancora difensiva ed esteriorizzata dei Charolastras, dall’altra la capacità di vivere e interiorizzare il presente senza pretendere di controllarne gli effetti.

È per la capacità di tenere insieme questi elementi che consigliamo un film libero, esplicito e irriverente come Y tu mamá también. Cuarón riesce inoltre a costruire un road movie intimo e al tempo stesso collettivo, perché guarda sia ai personaggi principali che (soprattutto) all’influenza del contesto sociale e culturale che li circonda. Questo sguardo verso il Messico e i messicani si mostra soprattutto nelle scene di spostamento in auto, dato che il regista, scrivendo il film insieme al fratello Carlos, si rese presto conto che la premessa di due adolescenti in viaggio con una donna più grande rischiava di ridursi a una semplice commedia voyeuristica. Per darle maggiore profondità, decisero di esplorare il modo in cui il contesto sociale definisce i personaggi e, contemporaneamente, il modo in cui i personaggi rivelano quel contesto: Cuarón voleva abbandonare il punto di vista soggettivo dei suoi film precedenti (hollywoodiani) per conoscere i protagonisti attraverso il mondo nel quale si muovono. E gli strumenti con cui opera questo superamento sono due: la voce narrante onnisciente e un tracking shot che ad un certo punto si disinteressa dei personaggi.

Quando interviene il narratore, il sonoro della scena scompare improvvisamente e il film si distacca dall’esperienza immediata di Julio, Tenoch e Luisa. Lo spettatore viene momentaneamente sottratto al coinvolgimento emotivo e spinto a osservare criticamente ciò che le immagini stanno mostrando (un po’ come il teatro di Brecht). La voce racconta persone che i protagonisti incrociano senza notarle, dà voce alle città e alle strade attraversate, riporta in primo piano le tensioni politiche e sociali presenti ai margini della loro avventura e, in altri momenti ancora, entra nella sfera intima dei ragazzi rivelando segreti e insicurezze che contrastano con la sicurezza ostentata dal loro comportamento. Non ha ruolo descrittivo: aggiunge informazioni che le immagini non possono e i personaggi non vogliono far conoscere agli altri.

In questa operazione di “allontanamento”, anche la regia contribuisce notevolmente e lo fa attraverso un movimento di macchina in particolare, riproposto più volte nel corso del film. In alcune scene vediamo la macchina da presa seguire uno o più dei protagonisti, per poi proseguire nel suo movimento fluido e dimenticarsi di loro, ponendo l’attenzione su elementi che di primo impatto potevano sembrare superficiali. Alcuni esempi di questo sono la signora che entra nel bar mentre loro parlano, seguita fino alla cucina in cui un gruppo di donne balla e cucina; il matrimonio che i tre protagonisti incontrano lungo il tragitto; i posti di blocco continui ai lati della strada. Ragionandoci sopra, è proprio un approccio molto vicino a quello del documentarista che osserva e interpreta.

Per chi racconta viaggi, quindi, l’insegnamento più interessante riguarda sicuramente l’uso della voce fuori campo, che non deve mai limitarsi a descrivere o spiegare ciò che le immagini già mostrano ma deve aprire il racconto verso ciò che resta invisibile: il passato e il futuro delle persone incontrate, la storia dei luoghi e delle tradizioni, le tensioni presenti ai margini del percorso e le storie che i viaggiatori, chiusi nella propria esperienza, non riescono a osservare. Il narratore non si sostituisce alle immagini: aggiunge ciò che i personaggi e le inquadrature non rivelano. Nel complesso, Y tu mama también ci ricorda ancora che il viaggio deve essere inserito in un mondo molto più vasto dello sguardo dei personaggi.

Regia di Alfonso Cuarón
Sceneggiatura di Carlos Cuarón, Alfonso Cuarón
Fotografia di Emmanuel Lubezki
Montaggio di Alfonso Cuarón, Alex Rodríguez

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Fotografare significa scrivere utilizzando la luce al posto di una penna. Dalla luce nasce ogni fotografia ed è imparando a controllarla, aspettarla e caricarla di un significato che un fotografo riesce a trasformare un puro risultato estetico in una storia. Ma fotografare, al tempo stesso, significa rendere visibile alle altre persone il nostro soggetto e, in un certo senso, dargli luce. Intorno a questo doppio significato ruota Racconti di luce (Tales By Light), la docu-serie prodotta da Canon e National Geographic disponibile su Netflix che pone lo spettatore davanti a una domanda fondamentale: può una fotografia mostrare non solo il mondo, ma anche un nuovo in cui lo guardiamo?

Racconti di luce (2015-2018) nasce da un progetto del filmmaker e direttore della fotografia Abraham Joffe (nome presente anche nel bellissimo Our Oceans) e ci porta mano nella mano negli angoli più splendidi del nostro pianeta attraverso gli occhi (e gli obiettivi) di alcuni tra i più famosi fotografi americani e australiani. Nel corso delle tre stagioni, composte da sei episodi ciascuna, cambiano continuamente i protagonisti dietro la macchina fotografica, i luoghi e i soggetti, ma rimane al centro la fragile bellezza del pianeta Terra e la convinzione che una foto o un video possano fare la differenza.

Lo spettatore segue un fotografo (o una coppia) durante una propria missione, sia essa umanitaria o ambientale, tra paesaggi remoti, sfruttamento minorile, bellezza naturali, animali tanto belli quanto in pericolo e comunità indigene. Il punto di vista con cui si osserva il mondo cambia in base al protagonista e all’obiettivo che intende raggiungere con i suoi scatti: le balene in Antartide, lo sfruttamento dei bambini in Bangladesh, i leoni e ghepardi del Kenya, la comunità Aborigena in Australia e la cultura dei Surma in Etiopia. Ogni episodio (dalla seconda stagione, ogni due) cambia soggetti e ambienti, ma centrale rimane la presenza del fotografo che ci guida alla scoperta della sua visione del mondo, del suo modo di lavorare e del suo modo di fare la differenza con la sua arte.

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Consigliamo di (ri)guardare questa magnifica docu-serie proprio perché non intende limitarsi alla semplice resa esteticamente straordinaria delle fotografie, ma vuole portarci dietro le motivazioni che portano alla loro realizzazione. Una caratteristica simile a quella vista in The Wild Ones, ma qui declinata in una maniera diversa dato che porta in primo piano il ruolo di un’immagine studiata e cercata nel minimo dettaglio. Nella serie originale Apple fotografia e video erano strumenti necessari per la riuscita di un progetto ben più ampio di ricerca e conservazione, mentre in Racconti di Luce è il processo creativo dei fotografi a diventare il focus della narrazione. Li seguiamo mentre cercano soggetti, scorci e momenti in grado di tradurre il loro messaggio in un’immagine. L’accesso al loro punto di vista permette di vedere una fotografia (o un video) non solo come una bella immagine, ma come un profondo punto di vista (tranquilli, vi lasciamo la lista dei fotografi in fondo insieme a ciò che vogliono comunicare con le loro immagini!).

La scelta di trasformare i fotografi da semplici osservatori a veri protagonisti rappresenta uno dei motivi per cui la serie risulta ben realizzata. Questo perché ci consente un ingresso privilegiato nelle motivazioni, nell’esperienze e nel significato che attribuiscono al loro lavoro. Jonathan e Angela Scott, ad esempio, dedicano la propria vita alla fauna africana e alla conservazione del Maasai Mara; Eric Cheng usa le sue fotografie subacquee per mettere in discussione la percezione negativa che l’uomo ha su certi animali; Dylan River riprende le tradizioni e lo stile di vita della popolazione Yolngu per preservarne storia, cultura e memoria. Senza farvi altri spoiler, quello che lo spettatore è un mosaico della nostra Terra.

Non stiamo ovviamente a negarlo. La straordinaria forza visiva di Racconti di luce è uno dei motivi per la serie risulta subito affascinante. Realizzate in 4K, le immagini ci vengono restituiti con una qualità tale da diventare istantaneamente la porta d’accesso al racconto del fotografo e al messaggio che intende trasmettere. Perciò, prima rimaniamo affascinanti da ciò che che vediamo, poi vogliamo comprenderne il significato. Una fotografia può parlarci in mille modi, purché abbia un punto di vista: ogni immagine può essere bella, ma quella potente riesce a comunicare anche quello che il fotografo intende comunicare.

Mescolando viaggio, natura, culture, avventura e questioni sociali, Racconti di luce costruisce così una tela in cui fotografie e video diventano un linguaggio universale, capace di condurci verso mondi e argomenti molto diversi tra loro, ma accomunati dalla volontà di mostrarci qualcosa da una prospettiva nuova.

Da un punto di vista narrativo, la serie sceglie una struttura verticale semplice e di grande impatto. Ogni storia è autoconclusiva e si sviluppa schematicamente nella stessa maniera: conosciamo il fotografo e le sue motivazioni, scopriamo il soggetto delle sue fotografie e infine lo seguiamo sul campo mentre realizza il suo progetto. Non c’è una trama orizzontale e ogni episodio può permettersi di cambiare radicalmente atmosfere, temi e tipologie di fotografia per portare lo spettatore dentro un nuovo angolo di mondo. Si tratta di una formula particolarmente adatta alla distribuzione internazionale, perché ogni storia può cambiar completamente protagonista e atmosfere, mantenendo al tempo stesso riconoscibile il concept della serie. Una logica che si avvicina a quella incontrata in Viaggi al rallentatore (dove Ludo e Gabri rimangono protagonisti mentre cambiano location e mezzo di trasporto).

L’accesso al “behind the scenes” del lavoro ci insegna che prima di domandarsi quale lente comprare, quale obiettivo utilizzare o dove posizionare la videocamere, bisogna capire cosa vogliamo effettivamente raccontare. Un luogo, un ritratto o un animale non diventano delle storie solo perché immortalati nella nostra immagine. Ci deve essere un’intenzione, qualcosa da cercare, mostrare, evidenziare, smentire. Non basta un’ottima tecnica o la macchina fotografica all’avanguardia, è il punto di vista a dare significato. Una volta individuato, bisogna trovare il modo più adatto per tradurlo in immagini, adattando tecnica e comportamento al soggetto con cui ci confrontiamo. Fotografare un animale nella savana richiede un approccio completamente diverso dall’incontrare un animale in acqua, così come riprendere un rito tribale è diverso dal documentare una problematica sociale. Bisogna partire prima dalla storia, poi partire con la macchina fotografica.

L’insegnamento più grande, però, va oltre il modo in cui realizziamo la fotografia. Riguarda ciò che quell’immagine può provocare quando viene diffusa e mostrata agli altri. I protagonisti usano la loro macchina fotografica per provare a smuovere la coscienza e i cuori delle persone, sensibilizzando il modo in cui viene percepito il mondo. Shawn Heinrichs utilizza le sue foto per mostrare la bellezza e la vulnerabilità della biodiversità marina di Raja Ampat, coinvolgendo attivamente le comunità locali nella sua protezione, mentre Art Wolfe, attraverso le foto delle culture indigene e dei loro ambienti, intende restituire visibilità a modi di vivere ancora legati profondamente al territorio. In questi (e in tutti gli altri) casi fotografare diventa un atto per conservare e far conoscere certe condizioni anche a chi vive dall’altra parte del mondo. Con la speranza di cambiare lo sguardo delle persone.

Il titolo Racconti di luce, allora, è qui che svela il suo duplice significato. Sì, è un riferimento al fatto che i fotografi utilizzano materialmente la luce per costruire le loro opere, ma attraverso quelle stesse immagini finiscono per “dare luce” ai soggetti che intendono raccontare. E c’è forse un’ultima forma di luce che attraversa la serie: la speranza. Anche quando racconta ecosistemi minacciati, culture da preservare o profonde problematiche sociali, Racconti di luce non adotta mai uno sguardo puramente disfattista, ma cerca di mostrare ciò che può ancora essere protetto, salvato o cambiato. Non viene denunciato soltanto ciò che non funziona, ma viene esaltato ciò per cui vale ancora la pena provare a fare la differenza.

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Non mi sono dimenticato… ecco la lista dei fotografi in ordine di apparizione!

1. Darren Jew - raccontare la potenza e la fragilità del mondo sommerso.

2. Richard l’Anson - raccontare culture, spiritualità e territori attraverso la fotografia di viaggio.

3. Krystle Wright - trasmettere l’adrenalina dell’avventura e il rapporto tra uomo e natura.

4. Art Wolfe - celebrare e preservare la diversità naturale e culturale del pianeta

5. Peter Eastway - raccontare la monumentalità e l’isolamento dei paesaggi più remoti.

6. Jonathan e Angela Scott - usare la fotografia come strumento di conservazione della fauna africana.

7. Eric Cheng - cambiare la percezione degli animali marini e dei predatori più temuti.

8. Stephen Dupont - raccontare con umanità la vita, la morte e le culture più fragili.

9. Simon Lister - rendere visibili le condizioni dei bambini più vulnerabili.

10. Shawn Heinrichs - mostrare la bellezza degli oceani per spingere le persone a proteggerli.

11. Dylan River - documentare e preservare la cultura delle comunità aborigene australiane